Nach einer 22-jährigen Ära eine neue Identität zu entwickeln, ist bereits für sich genommen eine gewaltige Herausforderung. Umso schwieriger wird es, wenn es zugleich darum geht, Kontroversen hinter sich zu lassen und aus dem Schatten einer Theatergröße wie Ivo van Hove herauszutreten. Ob man ihn schätzt oder ablehnt: Es lässt sich kaum bestreiten, dass der belgische Regisseur das ehemalige Toneelgroep in gut zwei Jahrzehnten zu einer international führenden Theaterkompanie gemacht hat. 2018 fusionierte Toneelgroep mit der Stadsschouwburg Amsterdam zum Internationaal Theater Amsterdam (ITA). Van Hove brachte nicht nur bahnbrechende, visuell unvergleichliche Inszenierungen auf internationale Gastspielreisen und begeisterte damit das Publikum weltweit. Er förderte auch aufstrebende Talente wie Simon Stone, Robert Icke und Sam Gold, lange bevor sie selbst zu gefeierten Namen wurden. Doch dieser unaufhaltsame Erfolg hatte seinen Preis. Zusammen mit der Strahlkraft des hochkarätigen Ensembles und einem komplexen, intellektuell anspruchsvollen Spielplan führte er dazu, dass sich das ITA und sein Amsterdamer Stammhaus zunehmend in einen unnahbaren Elfenbeinturm verwandelten und den Kontakt zum lokalen Publikum immer mehr verloren.
Unter der Leitung der mit dem Olivier Award ausgezeichneten Regisseurin Eline Arbo und ihres entschlossenen, weiblich geprägten Führungsteams hat nun ein stiller Wandel begonnen, der eine klare Zukunftsperspektive erkennen lässt. Die Veränderungen setzten buchstäblich an der Basis an: Eines der bekanntesten Theatergebäude der Niederlande wurde für alle Menschen zugänglicher und einladender gestaltet und erhielt seinen in der Stadt seit Langem geschätzten Namen „Stadsschouwburg“ zurück. Auch künstlerisch hat Arbo neue Akzente gesetzt. Sie richtet den Blick verstärkt auf die Vielschichtigkeit weiblicher Lebenswelten und überträgt wegweisenden Kolleginnen die Aufgabe, die neue Identität des Hauses mitzugestalten. Die niederländische Theatermacherin Bianca van der Schoot und die deutsch-iranische Regisseurin Mina Salehpour haben bereits für Aufsehen gesorgt. Rebecca Frecknall wiederum beschloss die vergangene Spielzeit mit ihrer in London und New York gefeierten Inszenierung von Endstation Sehnsucht (A Streetcar Named Desire). Als Nächstes wird die ebenfalls aus Norwegen stammende Regisseurin Kjersti Horn eine neue Bühnenadaption von Sturmhöhe (Wuthering Heights) präsentieren. Doch vor allem Arbos eigene Eröffnungsinszenierung der neuen Spielzeit macht deutlich, welche künstlerische Vision sie verfolgt.
Die autobiografische Romantrilogie Die Kopenhagen-Trilogie der dänischen Schriftstellerin Tove Ditlevsen (1917–1976), auf der das Theaterstück basiert, erschien ursprünglich in drei eigenständigen Bänden: Kindheit (Barndom), Jugend (Ungdom) und Abhängigkeit (Gift). In der literarischen Vorlage findet sich weder das emotionale Selbstmitleid noch jene tränenreiche Sentimentalität, die man bei einer Schriftstellerin mit einem derart tragischen Lebensweg vielleicht erwarten würde. Tove beschreibt ihre Kindheit als einen Raum, der „lang und schmal wie ein Sarg“ sei und aus dem man allein nicht entkommen könne, und bewahrt dabei einen bemerkenswert nüchternen Ton. Von der Einsamkeit angesichts der Kälte ihrer Mutter Alfrida über die Gedichte, die sie heimlich in unter dem Bett versteckte Hefte schrieb, um sich den geringen Erwartungen an Frauen aus der Arbeiterklasse zu widersetzen, bis hin zu ihrer ersten Ehe mit dem älteren Verleger Viggo Møller, den sie heiratete, um ihren ersten Gedichtband Pigesind (Mädchensinn) veröffentlichen zu können: Sie legt all ihre Entscheidungen ohne jede Beschönigung offen. Als sie später Carl kennenlernt, jenen Arzt, der ihr unter dem Vorwand, ihre Ohrenschmerzen zu behandeln, Demerol spritzt und schließlich ihr Ehemann wird, erklärt sie über die Droge: „Das ist die tiefste Liebe meines Lebens.“ Selbst angesichts der Tragödie, dass die Verbindung mit ihrem Drogenlieferanten schließlich mit der Sucht selbst verschmilzt, versucht Tove weder ihre Fehler zu rechtfertigen noch um Erlösung zu bitten. Als würde sie die Scham und moralische Reue, die die patriarchalische Gesellschaft ihrer Zeit von Schriftstellerinnen verlangte, beiläufig verspotten, legt sie ihre Ambitionen, Begierden und ihren Zusammenbruch einfach so offen, wie sie waren.
Die junge Tove, die in einem armen Viertel des Kopenhagener Stadtteils Vesterbro aufwächst, wirkte viel heiterer und lebensfroher, als ich erwartet hatte. Selbst in bitterer Armut war ihr Traum, Dichterin zu werden, von Humor und Lebendigkeit getragen. Doch im Verlauf des zweiten Aktes wurde mir schmerzlich bewusst, weshalb all diese Warnhinweise notwendig waren. Im dritten Teil, Abhängigkeit (Dependency), geriet Toves Leben schließlich vollends außer Kontrolle.
Auf der Bühne werden die körperlichen und seelischen Verletzungen, die eine Frau erleiden musste, in ihrer ganzen Schonungslosigkeit offengelegt. Nichts wird verborgen oder durch Metaphern abgemildert. Die Szenen einer ungewollten Schwangerschaft und eines Schwangerschaftsabbruchs, die unerbittlich wiederkehrenden Phasen der Drogenabhängigkeit und die Momente sexualisierter Gewalt vom Zuschauerraum aus mitanzusehen, war nicht nur herzzerreißend, sondern zutiefst verstörend. Unweigerlich fragte ich mich, welchen Wert es haben kann, gemeinsam mit anderen Menschen dabei zuzusehen, wie die verletzlichsten und schmerzhaftesten Abgründe eines fremden Lebens im Scheinwerferlicht bloßgelegt werden. Und können wir angesichts eines derart unerbittlichen Leids tatsächlich noch behaupten, das Leben sei schön?
Das Geschehen war so erschütternd, dass ich am liebsten weggesehen hätte. Paradoxerweise aber war ausgerechnet die Inszenierung, die dieses Leid in eine sinnlich erfahrbare Form übersetzte, von einer geradezu unerträglichen Schönheit. Dieser eigentümliche Gegensatz zwischen der Brutalität eines leidvollen Lebens und der ästhetischen Raffinesse seiner theatralen Darstellung lässt das Publikum zwischen Unbehagen und Bewunderung schwanken und zieht es immer tiefer in das Stück hinein.
Eline Arbo, künstlerische Leiterin der Stadsschouwburg Amsterdam (ehemals ITA) in den Niederlanden und Regisseurin dieser Produktion, versteht es meisterhaft, literarische Texte in eine eigenständige Bühnensprache zu übersetzen. Im Zentrum ihrer Inszenierungen steht die Livemusik. Wenn sie Werke bedeutender Schriftstellerinnen wie Virginia Woolfs Die Wellen oder Annie Ernaux' Die Jahre auf die Bühne bringt, stellt sie eine Liveband aus musizierenden Schauspielerinnen und Schauspielern auf die Bühne und lässt die Innenwelten der Figuren in rauen Klängen und körperlichen Bewegungen aufbrechen. Die introspektiven Monologe der literarischen Vorlage verwandeln sich in körperliche Auseinandersetzungen, Dialoge und live gesungene Passagen. So begegnet das Publikum Toves Sehnsüchten und Tragödien mit einer unmittelbaren, beinahe körperlich spürbaren Intensität.
Was Arbo im Kern von Toves Persönlichkeit erkennt, ist ein tiefgreifender Widerspruch. Tove war eine Dichterin, die sich mit dem unbedingten Ehrgeiz, zu schreiben, aus der Armut befreien wollte. Zugleich konnte sie sich jedoch nie ganz von ihrer bürgerlichen Sehnsucht nach einem anständigen Zuhause, einem Ehemann, Kindern und der Anerkennung als gewöhnliche Ehefrau lösen. Diese beiden Wünsche prallten jedoch auf die Wirklichkeit und führten schließlich in die Katastrophe. Ihre Suche nach Liebe verwandelte sich in eine verstörende Form der Abhängigkeit, während ihre Sehnsucht nach poetischer Ekstase durch den chemischen Rausch ersetzt wurde, den ihr die Demerol-Spritze verschaffte. Statt diese Widersprüche moralisch zu verurteilen oder zu romantisieren, legt die Inszenierung sie durch Bühnenbild, Musik und die Körper der Darstellenden in ihrer ganzen Rohheit offen.
Die Musik bildet eine entscheidende Grundlage für die Schönheit dieser Inszenierung. Der Komponist Thijs van Vuure distanziert sich von der lyrischen Atmosphäre von Toves Kindheit in den 1920er-Jahren und verankert die Aufführung stattdessen im rauen Rocksound der späten 1960er- und frühen 1970er-Jahre, jener Zeit, in der Tove ihre autobiografische Trilogie verfasste. Die Energie des Rock, der gesellschaftliche Konventionen zurückwies und das eigene Ich mit explosiver Kraft zum Ausdruck brachte, steht in unmittelbarer Verbindung zu Toves innerem Konflikt zwischen dem Leben als bürgerliche Ehefrau und ihrem kompromisslosen künstlerischen Ehrgeiz. Besonders eindrucksvoll ist, wie die Schauspielerinnen und Schauspieler mitten im Spiel selbst zu Instrumenten greifen und sich in eine Liveband verwandeln. Dadurch gewinnt die Inszenierung eine ungefilterte Lebendigkeit. Schweiß, Gitarrenriffs und Schlagzeugbeats entladen sich gleichzeitig mit dem Bühnengeschehen und versetzen das Publikum regelrecht in körperliche Schwingungen. Die Liedtexte wiederum stammen unmittelbar aus Tove Ditlevsens eigenen Werken. Der Komponist vertonte zehn ihrer zu Lebzeiten veröffentlichten Gedichte, darunter Flickering Lights, Immoral Song, Depression und I'm Yours. Verse, die zuvor still zwischen den Seiten von Gedichtbänden verborgen lagen, brechen nun durch die Stimmen der Darstellenden als Lieder auf der Bühne hervor. Indem die Schauspielerinnen und Schauspieler jene Gedichte singen, die Tove selbst verfasst hat, werden ihre literarische Ekstase und die Tragödie ihrer Abhängigkeit zu sinnlich erfahrbaren, körperlich verkörperten Erlebnissen.
Auch die von Bühnenbildner Pascal Leboucq geschaffene Ästhetik legt auf sinnliche Weise Zeugnis von den schonungslosen Realitäten in Toves Leben ab. Laut Leboucq wurden die Vorhänge aus Silikon und Latex von einer Passage aus Toves Werk inspiriert, in der beschrieben wird, wie unter sonnenverbrannter Haut, die sich ablöst, neues Leben zum Vorschein kommt. Durchscheinende Vorhänge, auf denen schemenhafte Umrisse von Küchen, Türen und Fenstern aufgedruckt sind, fangen das Licht ein und lassen zarte Nachbilder der Erinnerung über die Bühne wandern. Wie Mobiles über Toves Kopf schwebend, bilden diese Konstruktionen das, was die Regisseurin als „Bibliothek der Erinnerungen“ bezeichnet. Jedes Mal, wenn ein neuer Abschnitt ihres Lebens beginnt, senken sich die Vorhänge herab, gestalten den Bühnenraum neu und räumen das vergangene Leben beiseite, als würde eine alte Haut abgestreift. Die Darstellenden reißen sich ihren Weg durch die Vorhänge oder schlagen sie wie abgelegte Hüllen zurück. Zusammen mit den intensiven monochromen Lichtflächen von Varja Klosse und der klebrigen, beinahe schmutzig wirkenden Beschaffenheit des Latex prägen sich die unverhüllten Schmerzen und Begierden, die Tove durchlebt hat, dem Publikum eindringlich ein.
Die Hauptdarstellerin Maria Kraakman verkörpert Toves gesamtes Leben, von der Unschuld ihrer Kindheit und den Sehnsüchten ihrer Jugend bis hin zur Drogenabhängigkeit und zum endgültigen Zusammenbruch, mit einer Intensität, die niemals nachlässt. Ihre körperliche Darstellung des Rausches unmittelbar nach einer Injektion, der Qualen des Entzugs und des verzweifelten Ringens inmitten von Halluzinationen ist beinahe atemberaubend. Die rauen, kraftvollen Bewegungen des Ensembles, die durch die Choreografie von Felix Schellekens gestaltet wurden, verleihen dem Strudel aus Abhängigkeit und Mangel eine unmittelbare körperliche Gestalt.
An ihrer Seite übernehmen sieben Ensemblemitglieder – Chris Nietvelt, Sanne den Hartogh, Minne Koole, Marieke Heebink, June Yanez, Peter Bolhuis und Dim Koning – die unterschiedlichen Figuren, die Toves Leben durchkreuzen. Indem die Darstellenden immer wieder zwischen den Rollen des Vaters und des ersten Ehemanns, des Bruders und des zweiten Ehemanns sowie zahlreicher Freunde wechseln, wird die Subjektivität von Erinnerung besonders deutlich. Peter Bolhuis etwa verkörpert zunächst den Vater der jungen Tove, bevor er später als ihr erster Ehemann und Mentor Viggo F. Møller zurückkehrt. Sanne den Hartogh wiederum verwandelt sich von ihrem liebevollen Bruder Edvin in ihren zweiten Ehemann Ebbe. So wie die literarische Trilogie keine objektive historische Aufzeichnung, sondern Toves persönliche Erinnerungen darstellt, existieren auch die Erinnerungen auf der Bühne nicht als unveränderliche Fragmente der Vergangenheit. In der Innenwelt eines Menschen bleiben die Figuren der Vergangenheit nicht klar voneinander getrennt, sondern verflechten und überlagern sich entsprechend den eigenen Gefühlen und Sehnsüchten. Wenn sich die Eindrücke verschiedener Figuren auf dem Gesicht ein und desselben Schauspielers überlagern, wird spürbar, dass das Bühnengeschehen keine Rekonstruktion objektiver Tatsachen ist. Vielmehr handelt es sich um Fragmente, die in Toves eigener „Bibliothek der Erinnerungen“ unaufhörlich neu zusammengesetzt und organisch verwandelt werden.
Es gibt einen klaren Grund dafür, weshalb diese Inszenierung das Elend eines einzelnen Menschen so unmittelbar und ohne jede Beschönigung zeigt. Es geht weder darum, zerstörerische Erfahrungen zu einem sensationsheischenden Spektakel zu machen, noch darum, Mitleid mit der Hauptfigur zu erwecken. Indem die tiefsten Abgründe, in die ein menschliches Leben geraten kann, unverstellt offengelegt werden, zwingt uns das Stück, uns mit jenen Narben und Schamgefühlen auseinanderzusetzen, die wir im Alltag zu verdrängen und zu verbergen versuchen. So wie Tove ihre Scham ablegte und ihren eigenen Zerfall mit kompromissloser Ehrlichkeit niederschrieb, streift die Inszenierung durch das auf der Bühne körperlich erfahrbare Leid auch dem Publikum die Hüllen seiner Selbsttäuschung ab. In die beschämendsten Tiefen eines fremden Lebens zu blicken bedeutet letztlich, den eigenen Wunden und der eigenen Heuchelei wie in einem Spiegel zu begegnen.
Nach der Aufführung war es mir unmöglich zu behaupten, dass das Leben schön sei. An Toves Leben war nichts schön, und Tove Ditlevsen selbst nahm sich 1976 durch die Einnahme von Schlaftabletten das Leben. Wie sie in der letzten Passage von Abhängigkeit gesteht, verschwindet der Schatten einer alten Sehnsucht selbst nach einer abgeschlossenen Suchtbehandlung im Krankenhaus niemals vollständig, solange man lebt.
Warum also leben wir trotz allem weiter? Sicherlich nicht allein deshalb, weil das Leben schön ist. Schönheit im Leben bedeutet nicht nur die friedliche Geborgenheit eines makellosen, lichtdurchfluteten Gewächshauses. Manchmal ist es gerade das tägliche Weiterleben in den hässlichsten und schrecklichsten Abgründen, das Aushalten unerträglicher Scham und Schmerzen, das die ehrlichste Form menschlicher Existenz zum Ausdruck bringt. Der Mut, den eigenen schwächsten und verletzlichsten Seiten ins Auge zu sehen, ohne ihnen auszuweichen oder sie zu beschönigen, und selbst die beschämenden Narben als untrennbaren Teil des eigenen Lebens anzunehmen, ist vielleicht das wahrhaftigste Gesicht menschlicher Würde. Wenn die Latexvorhänge in sich zusammenfallen und die letzten Klänge der rauen Rockmusik verklingen, bleibt nicht die Illusion einer Erlösung zurück, sondern ein schonungsloser und aufrichtiger Lebensmut. Ein Mut, der erst dann erwächst, wenn wir es wagen, unsere verletzlichsten Seiten mit offenen Augen zu betrachten, wie verwundet oder zerbrochen wir auch sein mögen.
Auch wenn ihr Leben tragisch endete, wandte sich Tove Ditlevsen zu Lebzeiten niemals von dem Leid und dem Zusammenbruch ab, die über sie hereinbrachen, sondern hielt all dies in ihren Texten fest. Für ihr ehrliches und mutiges Bekenntnis, in dem sie selbst jene schmerzhaften Abgründe offenlegte, die sie anderen vielleicht niemals hätte zeigen wollen, möchte ich ihr meinen tiefsten Respekt und Beifall aussprechen.
FOTO ©Roel Van Berckelaer
