The Lens : Die moderne Bühne entschlüsseln – mit dem Critics’ Circle von HereWeAre. Ein eigener Raum für prägnante kritische Essays und tiefgehende intellektuelle Auseinandersetzungen mit zeitgenössischen Werken.
Wenn ich nach einer japanischen Produktion das Barbican Theatre verlasse, nehme ich stets zwiespältige Gefühle mit. Da ist die Freude darüber, etwas Wundervolles erlebt zu haben. Doch jedes Mal, wenn ich sehe, wie herzlich japanische Geschichten hier in Großbritannien aufgenommen werden, mischen sich Bewunderung und Neid darunter. So ging es mir schon, als ich an diesem Ort zum ersten Mal My Neighbour Totoro (2022) sah, dessen animierte Vorlage mit bemerkenswerter Sorgfalt auf die Bühne übertragen worden war. Auch das Musical Death Note, dessen Spielzeit am 12. September endete, zog ein ebenso großes Publikum an und hat bereits eine Wiederaufnahme für das kommende Jahr angekündigt.
Diesmal stand ein Roman von Haruki Murakami (geb. 1949) im Mittelpunkt. Die Produktion wurde an vier Abenden gezeigt und war vollständig ausverkauft, sodass es einiger Mühe bedurfte, eine Karte zu bekommen. Bis unmittelbar vor Beginn fragte ich mich, wie sich diese weitläufige, labyrinthische Geschichte überhaupt in ein Bühnenwerk verwandeln ließe. Doch die Welt des Romans, die vor meinen Augen neu zum Leben erwachte, entfaltete eine Schönheit, die ganz der Sprache des Theaters und nicht der des Buches angehörte.
Eine Inszenierung ohne Grenzen
Das Ende der Welt und Hard-Boiled Wonderland ist die erste Bühnenadaption von Haruki Murakamis gleichnamigem Roman aus dem Jahr 1985. Das Skript stammt von der japanischen Dramatikerin Ako Takahashi; der französische Künstler Philippe Decouflé (geb. 1961) übernahm Regie und Choreografie. Nach Aufführungen in Japan und einer Tournee durch Singapur markierte das Gastspiel in London die europäische Premiere der Produktion. Gespielt wurde auf Japanisch, während englische Übertitel oberhalb und zu beiden Seiten der Bühne eingeblendet wurden. Als ich in den bis auf den letzten Platz gefüllten Zuschauerraum blickte, spürte ich die ganze Wirkung des Namens Haruki Murakami – und die Kraft der Literatur, Leserinnen und Leser ins Theater zu ziehen. Vereinzelt war Japanisch im Publikum zu hören. Doch Menschen, die so viele verschiedene Sprachen sprachen und sich an einem Ort versammelt hatten, machten deutlich, wie weit die Welt eines einzigen Schriftstellers reichen kann.
Der Roman entfaltet zwei parallel verlaufende Erzählstränge. In „Hard-Boiled Wonderland“ gerät der Protagonist, gespielt von Tatsuya Fujiwara, ein Mann, der beruflich Informationen verschlüsselt, in eine merkwürdige Abfolge von Ereignissen, nachdem ihn ein älterer Wissenschaftler beauftragt hat. In „Das Ende der Welt“ gelangt ein Mann in eine von hohen Mauern umgebene Stadt, wird von seinem Schatten getrennt und verbringt seine Tage in einer Bibliothek, wo er uralte Träume liest, die in den Schädeln von Tieren gespeichert sind. Die beiden Welten – die eine geprägt von Informationstechnologie und Bewusstsein, die andere von Erinnerung und Geist – scheinen zunächst weit voneinander entfernt zu sein, nähern sich jedoch allmählich an. Die Inszenierung übersetzte dieses komplexe Universum in Körper und Bewegung, Licht und Projektionen. Schwarz-Weiß-Bilder markierten die Realität, während Farbe die Traumwelt kennzeichnete und so die beiden Sphären voneinander abhob.
Als ich mich näher mit Decouflés Werdegang beschäftigte, konnte ich mir kaum jemanden vorstellen, der geeigneter gewesen wäre, die fantastische Welt des Romans auf die Bühne zu bringen. Als Choreograf und Theaterregisseur bewegt er sich mühelos zwischen Tanz, Film, Zirkus, Cabaret und anderen künstlerischen Ausdrucksformen. Internationale Bekanntheit erlangte er durch die Inszenierung der Eröffnungs- und Abschlusszeremonien der Olympischen Winterspiele 1992 im französischen Albertville. Auch in Japan hat er bereits mehrfach gearbeitet. In dieser Produktion verbanden sich Theater, zeitgenössischer Tanz, Pantomime und Zirkus mit bemerkenswerter Selbstverständlichkeit. Die ständigen Übergänge zwischen Realität und Fantasie im Roman eröffneten seiner Vorstellungskraft einen nahezu grenzenlosen Spielraum.
Eine Bühne, auf der selbst der Schatten zur Hauptfigur wird
Am deutlichsten wurde diese Fantasie in den Einhörnern sichtbar. Die Tänzer pressten ihre lang gestreckten Vorderbeine auf den Boden und hoben in Spitzenschuhen die Fersen hoch. Die Wesen erinnerten an Giraffen oder vielleicht an Pferde, gehörten aber keiner dieser Tierarten wirklich an. Durch die veränderten Körperproportionen und die Verlagerung des Schwerpunkts wurden die Tiere aus dem Roman zu glaubhaft fremdartigen Lebensformen – selbst dann, wenn man genau wusste, dass menschliche Körper sie hervorbrachten. Ihr langsamer, bedächtiger Gang vereinte Schönheit und Befremden zu gleichen Teilen.
In der Szene, in der dem Protagonisten sein Schatten mit einer Klinge abgetrennt wird, verwandelte sich die surreale Prämisse des Romans in eine konkrete Bühnenhandlung. Auch der Schatten erhielt einen eigenen Körper. Von seinem Besitzer getrennt, handelte und tanzte er; zugleich erschien in der Projektion unter seinen Bewegungen ein weiterer Schatten – ein Schatten, der selbst einen Schatten war. Dadurch vertiefte sich die traumartige Atmosphäre. Zwischen den Szenen folgten eindrucksvolle Solotänze aufeinander, die den Blick auf sich zogen und die Stimmung der gerade vergangenen Szene weitertrugen.
Die Bühnenkonstruktionen wirkten, als hätte man eine quadratische Pyramide schräg durchschnitten. Kanten, die nicht im rechten Winkel aufeinandertrafen, und Flächen, die sich von der Senkrechten wegneigten, verliehen dem Raum ein Gefühl der Instabilität. Sobald die Konstruktionen ihre Position veränderten, wurde auch der Boden, auf dem sich die Darsteller bewegten, zu einem völlig neuen Ort. Manche Szenen erinnerten an ein riesiges Puppentheater, andere daran, eine eigenständige Tanzaufführung zu erleben.
Wie Projektionen dem Raum Tiefe verleihen
Die Projektionen wurden mal auf einen Teil der Bühne, mal auf ihre gesamte Fläche geworfen und verliehen dem Raum dadurch eine ständig wechselnde Textur. Bilder, die sich auf einer halbtransparenten Gaze überlagerten, ließen fließendes Wasser entstehen. In einer rasanten Sequenz vermittelte eine partielle Projektion das Gefühl, sich durch eine Stadt zu bewegen. An einem Bahnhof überlagerten sich die Darsteller, die vor der Leinwand vorbeigingen, mit der Menschenmenge innerhalb der Projektion. So schienen der Raum im Bild und die physische Bühne miteinander zu verschmelzen. Die Projektionen fügten sich ganz selbstverständlich in die Gesamtatmosphäre der Inszenierung ein und verliehen Räumen eine Tiefe und Räumlichkeit, die allein durch Bühnenbilder und Requisiten nicht zu erreichen gewesen wären.
Auch die Schädel der Tiere ließen die fantastische Welt deutlich hervortreten. In „Das Ende der Welt“ dienen sie als Gefäße für die uralten Träume, die der Protagonist liest, und bilden zugleich ein verbindendes Motiv zwischen den beiden Welten. Als Dutzende individuell gestaltete Schädel in der Dunkelheit zu leuchten begannen, schien es, als stünden die unsichtbaren Träume in ihrem Inneren kurz davor, Gestalt anzunehmen.
Auch der Klang wurde Teil dieser Szenerie. Die Pianistin Mayu Gonto, die bereits beim Einlass des Publikums gespielt hatte, musizierte ohne Noten und mit dem Rücken zum Zuschauerraum weiter. Ihre Präsenz war eindrucksvoll: Sie gestaltete den dramatischen Verlauf, indem sie Musik und Soundeffekte mit den Bewegungen der einzelnen Szenen verwob. Der leicht kühle Klang der japanischen Dialoge und die hohen Stimmen der weiblichen Figuren trugen eine unverkennbar spezifische Qualität japanischer Bühnenkunst in sich.
In zweieinhalb Stunden und fünfzig Minuten, einschließlich einer zwanzigminütigen Pause, wurde die komplexe Welt des Romans durch Körper, Klang, Licht und Bilder neu erschaffen. Die Bilder, die Leserinnen und Leser zuvor in ihrer eigenen Vorstellung entwickelt hatten, durchliefen die Fantasie zahlreicher Künstlerinnen und Künstler und traten in einer Schönheit hervor, die nur dem Theater eigen sein kann.
Nach dem Gastspiel in London zog die Produktion ans Théâtre du Châtelet in Paris weiter, wo sie vom 16. bis zum 21. Oktober gezeigt wurde. Im April 2027 soll sie im LG Arts Center Seoul zu sehen sein. Wie wird das koreanische Publikum diese Welt aufnehmen? Ob man als Leserin oder Leser kommt, der Murakamis Roman noch in Erinnerung hat, oder die Geschichte zum ersten Mal auf der Bühne erlebt – die Aufführung bietet die Gelegenheit, in Das Ende der Welt und Hard-Boiled Wonderland die eigenen Träume zu entfalten.
FOTO © Barbican Theatre
Jaeeun Jung
Dieser Artikel erschien in Auditorium(월간객석) (monatlich erscheinendes Magazin für darstellende Künste).
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