많은 연극 관객들이 간과하는 사실이 있다. 아메리카 대륙에서 가장 큰 레퍼토리 극단 두 곳이 캐나다 온타리오 주에 자리하고 있다는 것이다. 스트랫퍼드 페스티벌이 가장 규모가 크고,쇼 페스티벌이 그 뒤를 바짝 잇는다. 두 페스티벌 모두 빡빡한 일정을 소화하는데, 쇼 페스티벌의 경우 타의 추종을 불허하는 9개월 운영 시즌이 단연 돋보인다. 스트랫퍼드가 웅장한 규모를 자랑한다면, 쇼 페스티벌은 일관되게 높은 예술적 기준과 파격적인 프로그래밍으로 폭넓은 찬사를 받고 있다.
올해로 64주년을 맞이한 이 페스티벌은 패스트푸드 체인점이라고는 스타벅스 하나뿐인—19세기 헤리티지 빌리지 안에 방문객들을 온전히 몰입시킨다. 조지 버나드 쇼의 작품을 기리기 위해 창설된 이 페스티벌은 그 이후 꾸준히 진화해 왔다. 현재의 프로그램에는 쇼의 동시대 작가들의 작품은 물론, 사회 통념에 도전하고 사회적 의식을 일깨우는 쇼의 도발적인 정신을 계승한 현대적이고 인간 중심적인 이야기들도 포함되어 있다. 페스티벌이 특히 자부심을 갖는 부분은 캐나다 최고의 연극 개발 허브로서의 역할이다. 올여름에는 3천만 달러 규모의 '아티스트 빌리지'가 문을 열었다. 이 시설에는 버튼 평생창의력센터가 들어서 있으며, 전용 퍼포먼스 랩, 교실, 그리고 청소년·노인·지역 사회를 위한 연중 교육 프로그램을 제공한다. 또한 이 복합 시설에는 캐나다 최대 규모의 통합 극장 의상 시설도 자리하고 있다. 아울러 올겨울에는 쇼 페스티벌의 두 작품이 호수 건너편 토론토의 하버프런트 센터에서 새로운 도시 시즌의 막을 올릴 예정이다.
이번 시즌 페스티벌은 브로드웨이에서 은막으로 성공적으로 옮겨간 수상 경력의 걸작 두 편을 선보인다:Funny Girl과Amadeus. 후자가 내가 나이아가라온더레이크를 다시 찾게 된 주된 이유였으며, 브랜든 제이콥스-젠킨스의A New Work in Progress워크숍—신데렐라를 어둡고 풍자적으로 재해석한 성인용 자기 연출 작품—도 함께였다. 쇼의 '아이디어의 연극'처럼, 피터 셰퍼의 작품 역시—톰 스토파드의 밀도 높고 지적인 스타일과 마찬가지로—2000년대 초반에 한때 외면받았다. 팬데믹 이전, 사회 운동이 고조되던 시기에는 이처럼 텍스트 중심의 고급 연극을 연극계의 역병이라 일축하는 이들도 있었다. 그러나 오늘날 우리는 경계를 허무는 필수적인 연극의 새로운 황금기를 맞이하고 있다. 이 르네상스는 획기적인 신작에서만 드러나는 것이 아니라, 시대를 넘나들며 고전 텍스트를 역동적으로 재검토하고 재해석하는 방식에서도 뚜렷이 나타난다.
모차르트와 살리에리의 라이벌 관계에 얽힌 이야기는 누구나 알고 있지만, 셰퍼의 희곡이 그 이상의 풍부한 내용을 담고 있는 만큼, 그 갈등의 역사적 사실 여부를 따지는 일은 이제 지루하게 느껴질 뿐이다. 모차르트의 작품 세계에 정통하지 않은 관객이라면 대본의 일부가 음악 전문 용어처럼 들릴 수 있고, 그로 인해 이야기가 다소 낯설게 다가올 수 있다는 점은 부인하기 어렵다.팀 캐럴—쇼 페스티벌의 예술감독—은 모차르트가 작곡한 거의 모든 곡을 꿰고 있다. 그가 처음으로Amadeus연출을 맡았던 28세의 어느 강렬한 여름, 그는 스스로 '속성 과정'이라 부르는 집중 공부를 했다. 쇼 페스티벌 사상 최초의 셰퍼 작품 공연이기도 한 이번 리바이벌은 캐럴이 이 작품을 연출하는 세 번째 기회이기도 하다.
마치 모차르트의 음악에서 영감을 받은 듯, 캐럴의 연출에는 두 가지 인상적인 요소가 공명한다. 하나는 유머와 고통을 절묘한 균형으로 담아낸 자연주의적 패러디이고, 다른 하나는키아로스쿠로효과를 통해 구현된 강렬한 시각적 지배감이다.주디스 보든이 디자인한 악보 용지를 배경으로 한 단색조 무대—비스듬히 기울어진 대각선 바닥이 특징적인—는 조용하고 침잠된 분위기를 자아낸다. 이 무대 구성은 행동에 날카로운 스포트라이트를 집중시키며,케빈 라모트의 단순하면서도 효과적인 그림자 조명 디자인이 그 효과를 한층 높인다. 이와 대조적으로, 보든의 정교하게 세공된 의상들은—주로 흰색과 갈색 팔레트 안에서 작업하면서도—풍부한 색채 포화도로 시선을 사로잡으며, 궁정 생활의 삶의 기쁨(joie de vivre)을 시각적으로 환기시킨다. 캐럴의 연출 시각은 감정의 다층성을 파고들며, 전형적인 연극적 과장에 기대기보다 부조리와 극적 무게감 사이의 조화를 강조한다. 이는 살리에리의 연출에서 가장 두드러지게 나타나는데, 극의 방대한 회상 장면에서 생의 마지막 밤과 젊은 시절의 자신 사이를 오갈 때 파우스트적인 극적 변신을 피하고 있다.
탁월한 캐스팅의 벤티첼리는줄리아 코스와소치 프리드가 훌륭한 균형감과 날카로운 극적 타이밍으로 연기하며, 공연 초반부터 심리적 통찰의 토대를 확립한다. 거의 쌍둥이처럼 보이는 두 사람은 소문의 힘을 증폭시키는 능력으로 절제된 아이러니를 전달하는 동시에, 두 사람으로 구성된 그리스 코러스 혹은 보편적인 '에브리맨'의 구조적 무게감을 투영한다. 여기에 유머러스한 왕실의 위엄을 더하는 것은 베테랑 앙상블 멤버그레임 서머빌로, 요제프 2세 황제를 완벽하게 구현해 내며,크리스티 프랭크는 활기차고 대담하게 현대적인 콘스탄체를 표현한다.
젊은 모차르트 역의 베테랑 배우마이클 테리오는 신동의 외모를 항상 완벽히 구현하지는 못할 수 있지만, 그의 연기 장악력은 부인할 수 없다. 그는 진정한 '얼간이' 모차르트를 선보인다—조잡한 미성숙함과 자신의 신성한 재능에 대한 맹렬한 확신이 모순적으로 공존하는 인물. 묘사가 간혹 희화화의 경계를 넘나들기도 하지만, 테리오는 그 안에 날것의 순진함을 불어넣어 살리에리와의 장면들을 설득력 있고 깊이 감동적으로 만든다. 그의 맞은편에서톰 루니는 심오하게 복잡한 살리에리를 선보인다. 내가 관람한 날 밤, 그의 대사 전달이 다소 명료한 유창함이 부족했던 것은 사실이지만, 그의 연기 밑바닥에 깔린 순수한 감정과 진정성은 그를 단연 돋보이게 한다. 모든 창작하는 영혼과 예술을 사랑하는 이들은 부인할 수 없는 천재와 마주하는 그 정확한 감각을 안다—숭고한 오페라 목소리든, 온몸을 뒤흔드는 배우든, 말로 담을 수 없는 것을 포착하는 무용수든. 루니의 살리에리가 처음으로 모차르트의 작품을 접하거나피가로의 결혼을 묘사하는 장면을 보고 있노라면, 어느새 18세기 빈으로 이끌려 마치 자신이 처음으로 모차르트의 음악을 듣는 것 같은 경험을 하게 된다.
런던 내셔널 시어터에서 사우스뱅크 신포니아가 무대 위에서 직접 연주하는 가운데 마이클 롱허스트가 연출한 서사적인Amadeus리바이벌을 목격한 이라면, 그것이 결정판 공연이라고 믿을 수도 있다. 피터 셰퍼가 요구한 '토탈 시어터'를 충족시키는 면에서 롱허스트의 버전은 여전히 거의 독보적이다. 그러나 팀 캐럴과 그의 탁월한 앙상블이 쇼 페스티벌에서 이루어낸 것 역시 결코 작은 성취가 아니다. 구조적으로는 상대적으로 절제되어 있지만, 이 공연은 평범함의 사면에 관한 살리에리의 마지막 독백의 울림을 강력하게 증폭시킨다. 이보다 더 시의적절할 수 없다. 우리는 평범함을 받아들이는 것이 사회적 평등의 도구로—삶의 본질적인 불공평함에 대한 잘못된 처방으로—여겨지는 시대를 살고 있다. 콘텐츠 크리에이터와 진정한 예술가가 같은 문화적 범주로 묶이고, 인공지능이 주도하는 속성 예술의 부상을 헤쳐 나가는 지금, 우리가 점점 더 흡수하는 공허한 언어는 복잡한 걸작에 대한 우리의 감수성을 위협한다. 결국 살리에리는 자신의 평범함이라는 비극적 진실에 굴복하며, 자신의 재능이 모차르트 천재성의 숭고한 경지에 결코 닿을 수 없음을 깨닫는다. 그러나 셰퍼의 이야기는 타인의 빛남 속에 흠뻑 젖는 것이 얼마나 영광스러운 일인지를 일깨우는 강력한 메시지로 기능하며, 우리에게 더 위대한 무언가를 향해 나아가라고 촉구한다. 설령 우리 스스로 그 위대함에 도달할 수 없다 해도, 일상의 후원이라는 예술을 선택할 수 있다—연극계에서는 익히 알려진 개념이지만, 일상의 삶에서는 절실히 필요한 것이기도 하다.
공연 사진 ©David Cooper
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